Actas EDK: Anuario Diseño 2018

El texto inicia argumentando que el arte, en la era de la reproductibilidad, ha experimentado una transformación radical. Ya no se limita a los espacios exclusivos de museos y galerías, sino que se ha expandido a la cultura popular, multiplicándose y adaptándose a diversos contextos. Se convierte en elemento decorativo, anuncio publicitario, panfleto, y se exhibe masivamente. Esta multiplicación ha permitido que el arte sea accesible al público general, trascendiendo las barreras de una élite restringida. La reproducción de la imagen, un proceso descrito como fundamental, permite al arte “conocer las calles y el mundo”, a la vez que el mundo “lo conoce y habla de él”. El arte se torna mutable, transformándose y adaptándose a diferentes usos y contextos, demostrando así su capacidad de evolución y supervivencia más allá de los espacios tradicionales. La imagen, desligada del objeto físico, llega a las masas, permeando la sociedad con una fuerza inusitada. El documento enfatiza la importancia de la reproducción como motor de la democratización del acceso al arte, un proceso que ha tenido consecuencias profundas en la manera en que se entiende y se disfruta el arte.

Entre los medios de propagación del arte, el afiche o cartel se destaca como una pieza fundamental en su difusión. No sólo facilita la divulgación del arte, sino que, en gran medida, es responsable de nuestro conocimiento artístico, nuestra educación y nuestro bagaje cultural. Su capacidad para presentar una misma imagen de múltiples maneras, descomponiéndola y rehaciéndola sin perder su esencia, le otorga una versatilidad que trasciende la simple fotografía. El afiche puede atribuirse nuevas connotaciones según su propósito, ampliando su poder comunicativo y su impacto en el receptor. El origen del afiche como lo conocemos se sitúa aproximadamente en 1870, coincidiendo con la mejora de las técnicas de litografía a color, que permitió su producción serial. Su evolución está intrínsicamente ligada a los avances en las comunicaciones y el diseño, así como al desarrollo de tecnologías y procesos de producción, siempre bajo la premisa de la reproducción impresa. Sin embargo, con el auge de las nuevas tecnologías de la comunicación, su rol podría estar cambiando, cediendo terreno a las pantallas de computadoras y las redes virtuales, aunque ello podría, paradójicamente, aumentar su valor como pieza tangible y única.

El robo de la Mona Lisa del Museo del Louvre en 1911, y su posterior recuperación en 1914, se presenta como un hito en la historia de la reproductibilidad del arte. El evento provocó una reproducción masiva de la obra en periódicos de Francia y el extranjero, introduciéndola en el mundo de la comunicación de masas. Este hecho, según el texto, marcó el inicio de un proceso “imparable” en el que la imagen de la Mona Lisa se independizó de la obra original, creando una familiaridad inmediata con la obra en el público actual. Este suceso ilustra cómo la reproducción masiva de una obra de arte puede generar un impacto cultural significativo, trascendiendo las limitaciones espaciales y temporales de la obra original. En la actualidad, la imagen de la Mona Lisa, y la de otras obras de arte, se encuentran en afiches publicitarios, diversos formatos, y creaciones gráficas, consolidando su presencia en la cultura popular y democratizando el acceso al arte.

El texto contrasta la museografía tradicional con las nuevas estrategias para atraer al público. Se describe la experiencia en museos de arte precolombino como el de Pueblo Libre, caracterizados por espacios oscuros, olores a viejo, mala iluminación, y una disposición poco atractiva de las piezas. La mala señalética, la falta de espacio entre las piezas y la ausencia de asientos contribuían a una experiencia cansadora y poco estimulante. Este modelo contrasta con las nuevas tendencias en museografía, que buscan una experiencia más atractiva e interactiva. Se menciona la importancia de la disposición de los objetos, la iluminación adecuada, y la correcta ubicación de los textos explicativos para facilitar la comprensión y disfrute de las obras de arte. La nueva museografía prioriza la creación de un ambiente inmersivo y estimulante, buscando conectar con el visitante de manera más significativa, en contraste con el enfoque pasivo y poco atractivo de la museografía tradicional. La buena disposición, la señalética clara y una adecuada iluminación son cruciales para mejorar la experiencia del visitante.

Como ejemplo de museografía interactiva, se describe la exposición sobre la cultura Chavín realizada en el Museo de Arte de Lima en 2015. En lugar de una presentación estática, se optó por un recorrido gradual, utilizando videos explicativos que introducían al visitante en el contexto de la cultura Chavín. La exposición incluía utensilios y herramientas que ilustraban la vida cotidiana de la época. El uso de una réplica de un templo completo, con el Lanzón Monolítico y cabezas clavas, creaba un ambiente inmersivo, reforzado por luces tenues y sonidos de instrumentos ancestrales. El uso de proyecciones y videos complementarios enriquecía la experiencia. Esta exposición destaca el uso de la tecnología y la interactividad para crear un ambiente que no solo informa, sino que también emociona y conecta al visitante con el tema de una forma más profunda y memorable que el modelo tradicional de museografía. Se utiliza la interactividad para mejorar la comprensión y el disfrute del arte expuesto, creando una experiencia más completa e inmersiva para los visitantes.

La investigación utiliza un enfoque empírico, basado en la experiencia y la observación. El trabajo de campo se centra en evaluar el rendimiento académico de participantes en programas de formación en gestión de proyectos, analizando su desempeño fuera del ámbito académico. El autor aporta 12 años de experiencia docente en escuelas de postgrado y pregrado en Perú y el extranjero. El objetivo es analizar cómo la comunicación afecta el aprendizaje y el resultado final. Se busca entender la manera en que se canalizan, verbalizan y exponen signos u objetos de forma consistente para lograr diferentes ecualizaciones dentro del método de comunicación (emisor, receptor, mensaje, ruido y canal). El estudio se enfoca en las variables que impactan el rendimiento académico, utilizando la calificación como indicador objetivo. La investigación se basa en la premisa de que el impacto en las calificaciones y el valor percibido por el estudiante, así como su posterior desempeño laboral, están influenciados directamente por el método comunicacional utilizado por el docente.

Se plantea la hipótesis central: El impacto final en las calificaciones (incluyendo el valor para el estudiante) y la acción directiva sobre su influencia posterior en el ámbito laboral, está fuertemente influenciado (de manera directa) por el método comunicacional semiológico (ecualización de las variables signo, objeto e interpretación) que el catedrático proponga. Para comprobar esta hipótesis, el catedrático diseñó dos niveles de acercamiento, abordaje y seguimiento a las sesiones lectivas con estudiantes de dirección de proyectos. La comunicación semiológica se convierte en el eje central de la investigación, estudiando la relación entre el signo (la información impartida), el objeto (el concepto en sí) y la interpretación (la comprensión del estudiante). Se considera que la efectividad de la comunicación en el aula impacta directamente en el rendimiento académico y en la capacidad del estudiante para aplicar lo aprendido en entornos reales. El análisis se centra en la ecualización de estos tres elementos, buscando identificar cómo una comunicación efectiva optimiza el proceso de aprendizaje.

El texto enfatiza que los diseñadores trabajan en un contexto de cambios constantes e innovación. Las tendencias evolucionan año tras año, generando nuevas ideas y creaciones. Esta realidad exige una capacitación continua tanto para profesionales como para estudiantes. Se destaca la importancia de la educación continua y la necesidad de mantenerse actualizado con la información diaria, particularmente en áreas como el diseño de interiores. En este campo, conocer las ofertas del mercado, los materiales, los formatos de los productos, sus fortalezas y debilidades, sus usos adecuados, y hasta sus métodos de limpieza, es fundamental para el desarrollo exitoso de proyectos y para evitar problemas futuros. Se subraya la necesidad de inculcar esta capacitación continua como un valor esencial en la formación de diseñadores, debido a la gran cantidad de información y actualizaciones que se requieren a diario. La innovación en el diseño exige una adaptación permanente a las nuevas realidades del mercado.

A pesar del avance de las nuevas tecnologías, el texto destaca la importancia de las técnicas tradicionales en la formación de diseñadores. Se afirma que la mejor enseñanza proviene de la naturaleza misma, pero guiada por un maestro idóneo que sepa despertar el interés, dirigir y guiar a los futuros artistas. Se resalta la importancia de la práctica del dibujo a mano alzada, que favorece la creatividad, la sensibilidad y la conexión entre el conocimiento teórico y la destreza manual. Este proceso, descrito como sinapsis, implica la conexión entre conocimientos previos y nuevos a través de impulsos nerviosos entre neuronas, enriqueciendo y renovando el conocimiento adquirido. El dibujo a mano alzada permite que el conocimiento se interiorice, evitando un aprendizaje superficial o meramente teórico. Finalmente, el texto resalta la importancia de conectar el cerebro con la destreza de la mano para un desarrollo completo y enriquecedor en el ámbito del diseño.

El texto presenta un estudio de caso sobre la Imprenta Madero en México, analizando su surgimiento, crecimiento y cierre. Se destaca el rol del diseño gráfico como una de las fortalezas de la empresa, diferenciándola de la competencia. El estudio examina las modificaciones radicales que la organización experimentó a lo largo de más de 40 años, incluyendo los procesos y equipos adquiridos, así como la sustitución de sus actores y sus trayectorias profesionales. Se explora la incidencia de la tecnología y las formas de organización interna de esta empresa pionera, que llegó a ser una de las más importantes de México. El análisis se basa en los aprendizajes y saberes relacionados con el uso de diversas herramientas, considerando la perspectiva de la gente de oficio, clientes, directivos y diseñadores. Se observa la relación entre la evolución de las tecnologías de impresión y el éxito de la empresa.

El texto destaca la figura de Vicente Rojo, el primer diseñador que se integró a la Imprenta Madero en 1954, inicialmente como asesor y posteriormente como director artístico (1961). Su incorporación se debió tanto a la solicitud de los dueños como a su propia conveniencia. Se resalta su forma independiente de trabajo, fuera de la nómina regular de la empresa. La relación de Rojo con instituciones como la UNAM e INBA, y su amistad con la familia Espresate, contribuyeron al prestigio de la imprenta. La colaboración con la Editorial ERA, fundada en 1960 y reconocida por sus publicaciones sociales y políticas, atrajo a importantes autores como Carlos Monsiváis, José Emilio Pacheco y Gabriel García Márquez, fortaleciendo la imagen y el trabajo de la imprenta. El texto analiza cómo este capital colaborativo, según Owen-Smith (1999), proporcionó recursos adicionales, fomentando la diversidad y atrayendo talentos creativos, lo que se relaciona con la mejora en la colaboración innovadora ( Florida, Cushing y Gates, 2002) y el capital social (Casas, 2004). La imprenta se convirtió en un espacio único, donde se leía, revisaba, diseñaba y producía, lo que generó un ambiente de prestigio e innovación.

Se mencionan dos innovaciones técnicas implementadas en la Imprenta Madero: los barridos de color y el uso de altos contrastes en fotografía. Los barridos de color, inicialmente observados en carteles callejeros de baja calidad, fueron perfeccionados por Roberto Muñoz, un operario especializado en color. Esta técnica, que consistía en mezclar tintas para lograr efectos de degradado, fue depurada hasta un punto que la gente creía que se hacía una selección manual de color para cada ejemplar, a pesar de la reproducción serial. Por otro lado, Carlos Franco Puga, jefe de fotografía, implementó el uso de altos contrastes en 1962, una innovación que, según Azorín, se logró antes que Kodak la patentara. Esta técnica, desarrollada mediante pruebas y ajustes de luces y sombras, simplificó la corrección de detalles y permitió el uso de imágenes en plasta para manipular fondos y texturas, creando un efecto visual impactante en las portadas de libros. Estas innovaciones destacan la capacidad de la Imprenta Madero para adoptar y mejorar técnicas de impresión, demostrando su compromiso con la innovación y el diseño.

Este apartado se centra en la metodología de enseñanza del diseño de interfaces digitales. Se destaca la importancia de considerar tres factores clave: la usabilidad, el contexto y la empatía. La usabilidad se refiere a la facilidad con la que los usuarios interactúan con la interfaz; el contexto abarca el entorno digital en el que se inserta la interfaz, incluyendo el bombardeo constante de estímulos visuales y publicitarios; y la empatía implica entender las necesidades y emociones del usuario final. El diseñador debe ser consciente de estos tres factores para crear interfaces relevantes y efectivas. El usuario final (target) debe ser el centro del proceso de diseño, asegurando que la interfaz sea fácil de usar, relevante y atractiva. Se necesita que el diseñador comprenda la progresión en los grados de distracción que afecta a los usuarios en el consumo digital y genere piezas que sean relevantes y sintéticas, evitando el caos en la web.

Se introduce la técnica Persona como herramienta fundamental para lograr la empatía con el usuario final. Originalmente propuesta por Alan Cooper, esta técnica permite recopilar información cuantitativa y cualitativa sobre los usuarios, ayudando a comprender sus necesidades y características. El resultado es un arquetipo de usuario, una ficha técnica que guía el proceso de diseño. Este arquetipo proporciona al diseñador las bases para tomar decisiones de diseño fundamentadas en la razón, y no solo en la estética. El texto destaca la importancia de considerar al usuario como un individuo con emociones y necesidades específicas, evitando la generalización del “público objetivo”. La técnica Persona permite al futuro profesional del diseño tener una guía para orientar la creación de interfaces digitales que sean a la vez funcionales y relevantes para el usuario. El diseño debe considerar no solo el aspecto visual, sino también la experiencia completa del usuario.

Para comprender la anatomía de los sitios web One Page, se propone una actividad práctica que implica redibujar el sitio web utilizando materiales tradicionales como papel, lápices y reglas. Esta actividad busca contrarrestar la rigidez de la interacción con el ratón y la computadora, permitiendo una mayor libertad creativa. Se busca que los estudiantes regresen a los fundamentos del diseño editorial, reconociendo los códigos visuales para esquematizar diferentes elementos como fotos, videos, textos, títulos, subtítulos, cuerpos de texto, CTA (Call To Action) e iconos. Al replicar la estructura del One Page Site en papel, los estudiantes comprenden mejor su anatomía y la función de cada elemento. El uso de materiales tradicionales como el papel mantequilla facilita el proceso de prueba y error, permitiéndole al estudiante analizar y reestructurar el planteamiento, logrando una comprensión más profunda del diseño web y sus fundamentos.

El texto analiza los diferentes tipos de contenidos presentes en una interfaz digital, citando la clasificación de Pratt: heredados, a medida, anexos, colaborativos, generados por usuarios, sociales y legales. Los estudiantes deben comprender cómo estos diferentes tipos de contenidos se estructuran en una interfaz y deben ser capaces de diferenciarlos en su proyecto. Se busca que los estudiantes comprendan que su rol va más allá de la simple generación de elementos visuales; deben ser capaces de planificar no solo la estructura y los aspectos visuales, sino también la gestión de los contenidos que serán administrados por la empresa. El diseñador debe ser capaz de decidir qué contenidos son convenientes, están alineados con la estrategia, y son apropiados para la comunicación con el usuario, incluyendo la frecuencia de actualización y las plataformas de gestión. Se busca formar diseñadores que puedan proponer soluciones integrales y viables, considerando todos los aspectos del proyecto.

El texto propone una metodología de evaluación formativa para un curso de composición tipográfica, destacando la importancia del protagonismo del estudiante en el proceso. Se argumenta que una evaluación formativa efectiva requiere la participación continua del estudiante. Si bien los docentes tienen un rol fundamental como guía y enlace entre el estudiante y el proceso, son los estudiantes quienes deben estar involucrados activamente. Los docentes deben definir las metas de aprendizaje, establecer criterios de evaluación claros y diseñar tareas de evaluación que reflejen los resultados del aprendizaje. Se cita a Rosales (2003), quien enfatiza que una evaluación formativa auténtica debe incluir un tratamiento metodológico que ofrezca a los estudiantes oportunidades de elección en sus alternativas de aprendizaje. La evaluación debe ser un proceso dinámico que promueva el aprendizaje y la reflexión, no solo una medición del conocimiento adquirido. La población de este estudio corresponde a estudiantes de composición tipográfica, con edades entre 19 y 22 años, de una institución superior privada de Lima.

Se propone una matriz de evaluación para analizar la relación entre el logro de los objetivos y las acciones realizadas por los estudiantes. Esta matriz permite identificar las relaciones causales y reflexionar sobre el proceso de aprendizaje, permitiendo ajustes en futuras acciones. La construcción de la matriz exige claridad en los objetivos esperados y en la forma de alcanzarlos. El objetivo es facilitar la orientación del desarrollo académico y lograr un desenlace satisfactorio. El análisis de los resultados obtenidos permite identificar las fortalezas y debilidades del proceso de enseñanza y aprendizaje, ofreciendo la posibilidad de mejorar la metodología de evaluación y los métodos de enseñanza. La evaluación se centra en la composición tipográfica, analizando el logro de objetivos específicos y cómo se reflejan en los trabajos realizados por los estudiantes. La población estudiada corresponde a estudiantes de una institución superior privada en Lima, con edades promedio entre 19 y 22 años.